Pasaje primero

Desde 1927 hasta su lamentable muerte en 1940, el filósofo Walter Benjamin estuvo trabajando en una obra que jamás pudo terminar, aunque la producción recopilada se editó y llamó Los pasajes de Paris.

Ver Más

Su trabajo se enfocó en analizar la identidad moderna señalando los importantes avances técnicos que se habían incorporado a la vida cotidiana del siglo XIX, comenzando con los propios pasajes de esta ciudad. Se propuso experimentar una forma de generar conocimiento partiendo de fragmentos, citas y detalles para componer una literatura en forma de escaparates. París fue un modelo que introdujo muchos aspectos de la modernidad y serán precisamente estos pasajes los que evolucionaron y se transformaron en los actuales centros comerciales. No cabe lugar a duda, los centros comerciales son espacios significativos que caracterizan nuestra cultura global.

Inspirándose en la propuesta de Walter Benjamin, se han planteado una serie de exposiciones en formato de capítulos o pasajes, que abordan la identidad global analizando algunos de los conceptos que se relacionan con el giro que la sociedad actual está dando. Para cada pasaje/exposición se han seleccionado conceptos vinculados con la identidad global actual y se han escogido creaciones de artistas que tienen, de un modo u otro, relación con esos conceptos. Se han habilitado salas expositivas dentro de locales de centros comerciales para convertir estos centros en un lugar en el que profundizar y reflexionar sobre nuestra esencia cultural. En cada exposición podremos leer un capítulo de una investigación experimental.

La propuesta expositiva #Pasajes se presentó en la ciudad de Sevilla en enero del 2019, en un local del centro comercial Los Arcos. Para la presentación se invitaron una serie de artistas de diferentes disciplinas.


Sincretismos

El primer pasaje o capítulo de la serie de exposiciones #Pasajes, se adentra en el análisis desde la creación artística del concepto de sincretismo como una de las principales características de la identidad global.

La identidad actual, tanto la personal como la colectiva, se está adaptando a nuevos cambios debido a la globalización. El mundo experimenta una conexión sin precedentes gracias a las tecnologías digitales y a los nuevos modelos económicos y movimientos migratorios (Turistas, inmigrantes, refugiados, exiliados, trabajadores invitados… e individuos en movimiento constante). Esta nueva cercanía fractura muchas de las antiguas fronteras, tanto las físicas como de las de la subjetividad cultural. Los cambios de percepción generalizados y la descentralización de las metrópolis tradicionales de influencia en cuanto al arte contemporáneo, generan un giro cultural que produce formas de asimilación y fusión de diferentes elementos, incluso contradictorios entre sí. El sincretismo no es una novedad histórica y ha sido una característica de los flujos culturales ligados a la colonización y a los movimientos migratorios. La diferencia de hoy reside en que la conexión digital y el intercambio generalizado de las redes sociales difunden códigos visuales a escala global mediante mecanismos que no están relacionados con las instituciones tradicionales de poder. Los algoritmos internos, los profesionales del marketing digital, el poder del like, la cultura de la convergencia, las bienales de arte… existen muchos elementos que influyen en la transformación cultural y provocan la creación casi caprichosa de una nueva cultura y producción artística global.

La aportación de esta exhibición para la reflexión del concepto del sincretismo como esencia de la cultura global, es la recopilación de creaciones de artistas del territorio español actual, un ejemplo de la periferia artística, para analizar los flujos de la asimilación y fusión de variados códigos visuales. Cabe destacar que la muestra se realiza en un local dentro de un centro comercial, en este caso el centro comercial Vallsur de Valladolid. El contexto de la muestra, la tipología de centro comercial que se repite en iguales condiciones por todo el planeta, suma al análisis la posibilidad de una lectura por parte del visitante desde una posición de descentralización transfronteriza, esencia de lo global.

La exposición ha sido coordinada por la gerencia del Centro comercial Vallsur y el comisario de la galería variable, antonio labella. Los artistas que participan en la muestra son Oscar Seco, Ana de Alvear, Monserrat Gómez de osuna, Pedro Peña Gil, Illán Argüello, Patricia Mateo y Jorge Hernández, junto la aportación de obras del propio comisario.

ARTISTAS

ÓSCAR
ÓSCAR SECO

Al situarnos delante de uno de los geniales paisajes de brueghel el viejo, podemos observar aparentes escenas de la vida cotidiana de su tiempo. Muchas de esas escenas están cargadas de mensajes que van más allá de una mera descripción, aunque para nuestros ojos de espectadores del siglo XXI muchos mensajes se escapan y hay que hacer un estudio para poder leer los códigos que ya no nos son familiares. El género del paisaje simboliza la mirada del espectador ubicada físicamente en su mundo, el espacio que lo rodea y lo define.

Puede que esta sea una de las características que hace que la obra de Oscar Seco sea tan representativa para entender el eje de esta muestra. A lo largo de su dilatada carrera ha madurado un proceso de asimilación de códigos visuales de diferentes culturas. Su trabajo absorbe y mezcla diferentes códigos como las pinturas y grabados holandeses y flamencos, elementos del cómic norteamericano, los carteles de propaganda de la guerra civil o la estética del pop art. Pero su asimilación no es un capricho creador, es el paisaje de nuestra visión actual. Nuestra educación visual se nutre de imágenes de estas tendencias en museos y espacios especializados en arte, al igual que en las redes sociales. Gracias a diferentes canales de difusión global, estos códigos tienen vigencia y nos resultan familiares y han adquirido una función adaptada a nuestra actualidad global. Ver web del artista

Seres imaginarios I

Seres imaginarios I

Acrílico sobre tela

81 x 100 cm

Seres imaginarios II

Seres imaginarios II

Acrílico sobre tela

81 x 100 cm

Seres imaginarios III

Seres imaginarios III

Acrílico sobre tela

81 x 100 cm

Seres imaginarios IV

Seres imaginarios IV

Acrílico sobre tela

81 x 100 cm

Seres imaginarios V

Seres imaginarios V

Acrílico sobre tela

81 x 100 cm

Seres imaginarios VI

Seres imaginarios VI

Acrílico sobre tela

81 x 100 cm

Caídos del cielo

Caídos del cielo

Serigrafía

70 x 100 cm

Caídos del cielo

Caídos del cielo

Serigrafía

70 x 100 cm

Lo imnombrable

Lo imnombrable

acrílico en tela

120 de diámetro

Ganso a la naranja

Ganso a la naranja

acrílico en tela

100 de diámetro

MONSERRAT
MONSERRAT GÓMEZ

La evolución de la complejidad de la vista en los primates ha estado estrechamente relacionada con el perfeccionamiento de este sentido para poder diferenciar el lenguaje que la fruta y las plantas nos ofrecían, según su coloración tenían que saber, por ejemplo, su maduración. Esta relación entre naturaleza-comida-color tiene mucho que decir para comprender todo esto del arte. La forma de ver la naturaleza que nos rodea ha formado parte del nacimiento y desarrollo de los lenguajes que el arte ha creado a lo largo de toda historia. Las flores, la sangre o el mismo cielo eran estímulos para la visión.

La obra de la creadora Montserrat Gómez Osuna ofrece un lenguaje muy singular sobre la madera desnuda como soporte. Crea un entorno poroso con una superficie con matices salvajes que parece que nos sugiere a leer diferentes códigos de la tradición de los maestros de la pintura abstracta en la naturaleza. Existe una asimilación muy sutil por parte de la creadora de expresiones plásticas relacionadas con Kandisnki, Mondrian e incluso de obras orientales que fluyen por la red digital. al leer sus poéticas visuales parece que estamos observando la historia de la pintura en un paisaje natural. Es curioso y esperanzador que, en una cultura global conectada por frías pantallas, obras como las que propone Montserrat exigen ser consumidas en directo para poder disfrutar de las texturas naturales que ofrecen. Ver web del artista

Sin título

Sin título

Técnica mixta sobre tabla

140X140

Sin título

Sin título

Técnica mixta sobre tabla

30X37

Sin título

Sin título

Técnica mixta sobre tabla

30X37

Sin título

Sin título

Técnica mixta sobre tabla

50X50

La torre de Zhousan

La torre de Zhousan

Técnica mixta sobre tabla

150X150

ANA
ANA DE ALVEAR

Si hablamos de una cultura global, lo primero que debemos tener en cuenta son los elementos que conforman el universo cotidiano de esa cultura. Nuestra actualidad pasa por una relación complicada con la naturaleza, existe una cierta extrañeza e incluso lejanía en las relaciones que se dan entre la infancia y los seres vivos salvajes. Las imágenes de muchos animales y plantas han pasado a formar parte del imaginario colectivo como formas de plástico amables y sencillas filtradas por un reglamento determinado para, por ejemplo, no asfixiar de una manera u otra a nuestros infantes. Figuras y dibujos animados que dejan a mucha distancia las relaciones posibles entre el ser real y la realidad cotidiana de los niños. Quizás este hecho ha roto las posibles relaciones antropológicas que deberían ayudar a crear los vínculos necesarios para que los futuros ciudadanos entiendan como semejantes a los preciados e indispensables compañeros del planeta.

En su serie extinguidos, la creadora Ana de Alvear, ha incorporado directamente estas figuras de plástico extremadamente simples en su montaje, para producir un lenguaje propio que narra secuencias de extinción o desaparición. Figurillas huecas que se compran o regalan como premio de productos del mundo de las chucherías que están basadas en reconocibles imágenes de animales, de los cuales muchos tienen o tendrán serias dificultades para sobrevivir. Con una técnica impecable a lápiz, la creadora invita a adentrarnos en una poesía visual que señala uno de los aspectos más polémicos de nuestro presente, la herencia de un mundo virtual lleno de plástico que nada o poco hace por recuperar urgentemente el equilibrio de la delicada vida. Ver web del artista

La Abeja

La Abeja

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

La Ballena

La Ballena

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Buho

El Buho

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Caballo

El Caballo

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Cocodrilo

El Cocodrilo

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Delfín

El Delfín

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

La Foca

La Foca

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Hamster

El Hamster

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

La Jirafa

La Jirafa

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Koala

El Koala

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Pez Manta

El Pez Manta

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

La Mariquita

La Mariquita

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Oso Panda

El Oso Panda

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Oso Polar

El Oso Polar

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Pato

El Pato

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Pez Luna

El Pez Luna

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Pinguino

El Pinguino

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Canguro

El Canguro

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Pulpo

El Pulpo

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Tiburon

El Tiburon

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Tigre

El Tigre

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

La Tortuga

La Tortuga

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

La Tortuga de Tierra

La Tortuga de Tierra

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

La Vaca

La Vaca

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

JORGE
JORGE HERNÁNDEZ

A lo largo de la exposición se tiene la oportunidad de ver diferentes tipos de asimilación cultural adaptados a un lenguaje que transciende la cultura local y se adhiere a una forma global. Muchos de estos ejemplos se han nutrido de esencias dentro de la creación plástica de diferentes periodos y espacios, aunque en esencia casi podríamos hablar de una cultura visual global de instituciones museísticas. El caso del creador Jorge Hernández da un paso más e incluye códigos a sus paisajes de un medio no tan ajeno a la pintura como lo es el cine. La obra de Jorge presenta unas inquietantes instantáneas de narraciones que se mantienen en suspenso, se perciben aquellos momentos exactos en los que la historia tiene que tomar un rumbo. Para elaborar estas composiciones, el autor se nutre de elementos icónicos del mundo del arte y figuras del cine clásico de Hollywood. En un mundo global conectado digitalmente, todo se percibe a través de la pantalla y las imágenes tienen un soporte común donde tienden a confluir, por lo que la creación de este lenguaje no nos es extraño. Ver web del artista

Empty

Empty

Acrílico y resina sobre tabla

120 x 140 cm

Aurora

Aurora

Acrílico y resina sobre tabla

120 x 135 cm

PATRICIA
PATRICIA MATEO

España tiene la fortuna de custodiar en el Museo del Prado algunas de las obras más representativas del extraordinario creador al que se llamó popularmente El Bosco. Este hecho hace que en este país se dé con mayor incidencia el consumo de reproducciones de sus obras en postales, tazas e incluso en prendas de vestir. Las tiendas de los museos funcionan. A pesar de que estas imágenes se veneren y muestren orgullosamente en diferentes soportes, su poder cultural no tiene vigencia. En cambio, en su serie titulada tránsito, la autora Patricia Mateo, propone una asimilación del lenguaje que experimentó el genial artista para hablar de nuevas propuestas desde y en el presente. En unas obras absolutamente originales e hipnotizadoras, Patricia Mateo desenreda la maraña original de los mundos encantados del Bosco y elabora una narrativa flotante y absolutamente actual en su estética. Esta exhibición ha invitado a la creadora para compartir esta serie con los visitantes y señalar esta asimilación y propuesta como un fundamento de los planteamientos del sincretismo en el arte global. Ver web del artista

El tránsito

El tránsito

Óleo/tabla

120x150cm

Caronte y cía

Caronte y cía

Óleo/tabla

70x100cm

S/T (serie En Tránsito)

S/T (serie En Tránsito)

Óleo/tabla

150x170 cm

S/T (serie En Tránsito)

S/T (serie En Tránsito)

Óleo/tabla

30x40 cm

S/T (serie En Tránsito)

S/T (serie En Tránsito)

Óleo/tabla

30x40 cm

ANTONIO
ANTONIO LABELLA

El consumo masivo de imágenes vinculadas con el mundo de la creación artística a través de las pantallas de los dispositivos digitales, genera un ruido de información donde mezclamos las imágenes de manera inconsciente. Ese ruido nos lleva a aceptar y aglutinar muy cerca códigos tan dispares y distantes como el expresionismo o las creaciones del renacimiento. Nuestra forma de consumir arte desde las páginas web de las instituciones o sobre todo en las redes sociales, facilita la hibridación visual. Además de este aspecto, este consumo digital facilita que nazca una nueva relación con la obra de naturaleza digital que está alejada de la obra física. La peculiaridad de este consumo masivo propicia que emanen nuevas obras digitales basadas en la imagen digital con sus propias características. Un comentario muy extendido al salir de la visita a un gran museo es aquello de: ¡que decepción, lo esperaba más grande, más colorido …!

El creador Antonio Labella propone generar imágenes que se ubican en las grietas que surgen por el choque entre los dos periodos de visión, un viejo periodo en el que la visión demandaba una imagen elaborada con una pintura y un acabado determinado y el nuevo periodo en el que la visión se amolda a las nuevas imágenes que suman elementos de naturaleza digital. El movimiento de estas dos masas hace que vivamos un periodo en el que algo va muriendo mientras otro periodo da sus primeros pasos. Evidentemente la dificultad de ver con cierta perspectiva estos cambios por ser actuales a ellos, dificulta nuestra capacidad de discernir entre ambas corrientes. El autor toma como paisaje esa convivencia de ambas realidades. Ver web del artista

Futuro

Futuro

Serigrafía de tintas UVI y técnica mixta sobre tabla

130 x 95 cm

The Lake

The Lake

Serigrafía de tintas UVI y técnica mixta sobre tabla

145 x 145 cm

pretérito

pretérito

Serigrafía de tintas UVI y técnica mixta sobre tabla

130 x 95 cm

Vortex

Vortex

tecnica mixta y serigrafia tintas uvi digital

120 x 138 cm

Node (a)

Node (a)

tecnica mixta y serigrafia tintas uvi digital

160 x 160 cm

ILLAN
ILLAN ARGÜELLO

En su texto de 1919, Nosotros metafísicos, Martin De Chirico comentaba que no había nada tenebroso en la palabra metafísica, que tenía la misma tranquilidad e insensata belleza que la materia. El autor de la pintura metafísica de principios del siglo XX propuso un lenguaje muy complejo que aglutinaba una proyección del inconsciente onírico y las formas narrativas que irrumpían en su creativo tiempo. Illán Argüello elabora con una técnica impecable una obra que se nutre de las esencias metafísicas adaptadas a un espacio de arquitecturas que tienen un pie en el sueño y otro en la realidad. Para nuestra percepción actual, acostumbrada a construcciones extravagantes y técnicamente extraordinarias, sus arquitecturas no son inverosímiles. El autor ha sabido adaptar la corriente metafísica y las propuestas del movimiento moderno de arquitectura de los maestros como Le Corbusier o Van Der Roes y la visión casi digital de nuestro tiempo. Hogares soñados llenos de color que flotan entre el proyecto y la realidad aumentada. Se han creado lugares globales desprovistos de una identidad cultural concreta que animan más que habitar con el cuerpo, a vivirlos con la mirada. Ver web del artista

Cuatro Galerías

Cuatro Galerías

Óleo/tabla

81 x 65 cm

El templo geométrico

El templo geométrico

Óleo/tabla

81 x 65 cm

pretérito

pretérito

Óleo/tabla

81 x 65 cm

Puro Absoluto I

Puro Absoluto I

Óleo/tabla

81 x 65 cm

Puro Absoluto III

Puro Absoluto III

Óleo/tabla

81 x 65 cm

El hueso de los deseos

El hueso de los deseos

Óleo/tabla

81 x 65 cm

Mis ojos marrones

Mis ojos marrones

Óleo/tabla

81 x 65 cm

PEDRO
PEDRO PEÑA

Además del concepto de sincretismo, otro concepto atraviesa de manera transversal toda la exposición, una cultura de consumidor de arte institucional global. Uno de los fundamentos de la creación de una cultura global es la difusión tanto física como digital de los iconos que se ofrecen en instituciones de poder a lo largo del planeta. Museos, ferias de arte y bienales, además de famosas galerías, tejen un entramado de propuestas que se desplazan por el globo. Muchas de las imágenes que se han asimilado por parte de los artistas del territorio nacional tienen su fuente en estos canales de distribución.

La obra de Pedro Peña Gil ofrece esta fuente de inspiración de manera transparente. El creador incorpora a su lenguaje la fotografía de las obras que marcan las tendencias en sus espacios de culto, los museos e instituciones que las albergan. Su propuesta pasa por retratar las piezas y sus visitantes en solemnes fotografías en blanco y negro y posteriormente las cubre de colores llenos de vida. La intencionalidad del creador puede llevarnos de nuevo a Walter Benjamín, ya que su forma de decolorar y proponer estás mágicas formas superpuestas, nos insinúa una aventura cercana al descubrimiento de un nuevo Aura específico para esas instituciones. Ver web del artista

Museum Hall XV(Pink)

Museum Hall XV(Pink)

Técnica Mixta y Resina Epoxi Pigmentada sobre Madera Lacada

82x82 cm

Museum Hall XV(Purple)

Museum Hall XV(Purple)

Técnica Mixta y Resina Epoxi Pigmentada sobre Madera Lacada

82x82 cm

Museum Hall IX(Balloons)

Museum Hall IX(Balloons)

Técnica Mixta y Resina Epoxi Pigmentada sobre Madera Lacada

150x150 cm

The Forest(green)

The Forest(green)

Tecnica Mixta, Serigrafia con Tintas Uvi, resina epoxi pigmentada y
laca sobre maderal

150x150 cm

Museum Hall (Yellow)

Museum Hall (Yellow)

Técnica Mixta y Resina Epoxi Pigmentada sobre Madera Lacada

150x150 cm

Al situarnos delante de uno de los geniales paisajes de brueghel el viejo, podemos observar aparentes escenas de la vida cotidiana de su tiempo. Muchas de esas escenas están cargadas de mensajes que van más allá de una mera descripción, aunque para nuestros ojos de espectadores del siglo XXI muchos mensajes se escapan y hay que hacer un estudio para poder leer los códigos que ya no nos son familiares. El género del paisaje simboliza la mirada del espectador ubicada físicamente en su mundo, el espacio que lo rodea y lo define.

Puede que esta sea una de las características que hace que la obra de Oscar Seco sea tan representativa para entender el eje de esta muestra. A lo largo de su dilatada carrera ha madurado un proceso de asimilación de códigos visuales de diferentes culturas. Su trabajo absorbe y mezcla diferentes códigos como las pinturas y grabados holandeses y flamencos, elementos del cómic norteamericano, los carteles de propaganda de la guerra civil o la estética del pop art. Pero su asimilación no es un capricho creador, es el paisaje de nuestra visión actual. Nuestra educación visual se nutre de imágenes de estas tendencias en museos y espacios especializados en arte, al igual que en las redes sociales. Gracias a diferentes canales de difusión global, estos códigos tienen vigencia y nos resultan familiares y han adquirido una función adaptada a nuestra actualidad global. Ver web del artista

Seres imaginarios I

Acrílico sobre tela

81 x 100 cm

Seres imaginarios II

Acrílico sobre tela

81 x 100 cm

Seres imaginarios III

Acrílico sobre tela

81 x 100 cm

Seres imaginarios IV

Acrílico sobre tela

81 x 100 cm

Seres imaginarios V

Acrílico sobre tela

81 x 100 cm

Seres imaginarios VI

Acrílico sobre tela

81 x 100 cm

Caídos del cielo

Serigrafía

70 x 100 cm

Caídos del cielo

Serigrafía

70 x 100 cm

La evolución de la complejidad de la vista en los primates ha estado estrechamente relacionada con el perfeccionamiento de este sentido para poder diferenciar el lenguaje que la fruta y las plantas nos ofrecían, según su coloración tenían que saber, por ejemplo, su maduración. Esta relación entre naturaleza-comida-color tiene mucho que decir para comprender todo esto del arte. La forma de ver la naturaleza que nos rodea ha formado parte del nacimiento y desarrollo de los lenguajes que el arte ha creado a lo largo de toda historia. Las flores, la sangre o el mismo cielo eran estímulos para la visión.

La obra de la creadora Montserrat Gómez Osuna ofrece un lenguaje muy singular sobre la madera desnuda como soporte. Crea un entorno poroso con una superficie con matices salvajes que parece que nos sugiere a leer diferentes códigos de la tradición de los maestros de la pintura abstracta en la naturaleza. Existe una asimilación muy sutil por parte de la creadora de expresiones plásticas relacionadas con Kandisnki, Mondrian e incluso de obras orientales que fluyen por la red digital. al leer sus poéticas visuales parece que estamos observando la historia de la pintura en un paisaje natural. Es curioso y esperanzador que, en una cultura global conectada por frías pantallas, obras como las que propone Montserrat exigen ser consumidas en directo para poder disfrutar de las texturas naturales que ofrecen. Ver web del artista

Sin título

Técnica mixta sobre tabla

140X140

Sin título

Técnica mixta sobre tabla

30X37

Sin título

Técnica mixta sobre tabla

30X37

Sin título

Técnica mixta sobre tabla

50X50

La torre de Zhousan

Técnica mixta sobre tabla

150X150

Si hablamos de una cultura global, lo primero que debemos tener en cuenta son los elementos que conforman el universo cotidiano de esa cultura. Nuestra actualidad pasa por una relación complicada con la naturaleza, existe una cierta extrañeza e incluso lejanía en las relaciones que se dan entre la infancia y los seres vivos salvajes. Las imágenes de muchos animales y plantas han pasado a formar parte del imaginario colectivo como formas de plástico amables y sencillas filtradas por un reglamento determinado para, por ejemplo, no asfixiar de una manera u otra a nuestros infantes. Figuras y dibujos animados que dejan a mucha distancia las relaciones posibles entre el ser real y la realidad cotidiana de los niños. Quizás este hecho ha roto las posibles relaciones antropológicas que deberían ayudar a crear los vínculos necesarios para que los futuros ciudadanos entiendan como semejantes a los preciados e indispensables compañeros del planeta.

En su serie extinguidos, la creadora Ana de Alvear, ha incorporado directamente estas figuras de plástico extremadamente simples en su montaje, para producir un lenguaje propio que narra secuencias de extinción o desaparición. Figurillas huecas que se compran o regalan como premio de productos del mundo de las chucherías que están basadas en reconocibles imágenes de animales, de los cuales muchos tienen o tendrán serias dificultades para sobrevivir. Con una técnica impecable a lápiz, la creadora invita a adentrarnos en una poesía visual que señala uno de los aspectos más polémicos de nuestro presente, la herencia de un mundo virtual lleno de plástico que nada o poco hace por recuperar urgentemente el equilibrio de la delicada vida. Ver web del artista

La Abeja

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

La Ballena

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Buho

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Caballo

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Cocodrilo

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Delfín

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

La Foca

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Hamster

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

La Jirafa

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Koala

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Pez Manta

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

La Mariquita

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Oso Panda

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Oso Polar

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Pato

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Pez Luna

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Pinguino

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Canguro

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Pulpo

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Tiburon

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

El Tigre

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

La Tortuga

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

La Tortuga de Tierra

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

La Vaca

Serie Extinguidos / Dibujo a Lápices de colores sobre papel

70 x 100 cm

A lo largo de la exposición se tiene la oportunidad de ver diferentes tipos de asimilación cultural adaptados a un lenguaje que transciende la cultura local y se adhiere a una forma global. Muchos de estos ejemplos se han nutrido de esencias dentro de la creación plástica de diferentes periodos y espacios, aunque en esencia casi podríamos hablar de una cultura visual global de instituciones museísticas. El caso del creador Jorge Hernández da un paso más e incluye códigos a sus paisajes de un medio no tan ajeno a la pintura como lo es el cine. La obra de Jorge presenta unas inquietantes instantáneas de narraciones que se mantienen en suspenso, se perciben aquellos momentos exactos en los que la historia tiene que tomar un rumbo. Para elaborar estas composiciones, el autor se nutre de elementos icónicos del mundo del arte y figuras del cine clásico de Hollywood. En un mundo global conectado digitalmente, todo se percibe a través de la pantalla y las imágenes tienen un soporte común donde tienden a confluir, por lo que la creación de este lenguaje no nos es extraño.

Empty

Acrílico y resina sobre tabla

120 x 140 cm

Aurora

Acrílico y resina sobre tabla

120 x 135 cm

España tiene la fortuna de custodiar en el Museo del Prado algunas de las obras más representativas del extraordinario creador al que se llamó popularmente El Bosco. Este hecho hace que en este país se dé con mayor incidencia el consumo de reproducciones de sus obras en postales, tazas e incluso en prendas de vestir. Las tiendas de los museos funcionan. A pesar de que estas imágenes se veneren y muestren orgullosamente en diferentes soportes, su poder cultural no tiene vigencia. En cambio, en su serie titulada tránsito, la autora Patricia Mateo, propone una asimilación del lenguaje que experimentó el genial artista para hablar de nuevas propuestas desde y en el presente. En unas obras absolutamente originales e hipnotizadoras, Patricia Mateo desenreda la maraña original de los mundos encantados del Bosco y elabora una narrativa flotante y absolutamente actual en su estética. Esta exhibición ha invitado a la creadora para compartir esta serie con los visitantes y señalar esta asimilación y propuesta como un fundamento de los planteamientos del sincretismo en el arte global. Ver web del artista

El tránsito

Óleo/tabla

120x150cm

Caronte y cía

Óleo/tabla

70x100cm

S/T (serie En Tránsito)

Óleo/tabla

150x170 cm

S/T (serie En Tránsito)

Óleo/tabla

30x40 cm

S/T (serie En Tránsito)

Óleo/tabla

30x40 cm

El consumo masivo de imágenes vinculadas con el mundo de la creación artística a través de las pantallas de los dispositivos digitales, genera un ruido de información donde mezclamos las imágenes de manera inconsciente. Ese ruido nos lleva a aceptar y aglutinar muy cerca códigos tan dispares y distantes como el expresionismo o las creaciones del renacimiento. Nuestra forma de consumir arte desde las páginas web de las instituciones o sobre todo en las redes sociales, facilita la hibridación visual. Además de este aspecto, este consumo digital facilita que nazca una nueva relación con la obra de naturaleza digital que está alejada de la obra física. La peculiaridad de este consumo masivo propicia que emanen nuevas obras digitales basadas en la imagen digital con sus propias características. Un comentario muy extendido al salir de la visita a un gran museo es aquello de: ¡que decepción, lo esperaba más grande, más colorido …!

El creador Antonio Labella propone generar imágenes que se ubican en las grietas que surgen por el choque entre los dos periodos de visión, un viejo periodo en el que la visión demandaba una imagen elaborada con una pintura y un acabado determinado y el nuevo periodo en el que la visión se amolda a las nuevas imágenes que suman elementos de naturaleza digital. El movimiento de estas dos masas hace que vivamos un periodo en el que algo va muriendo mientras otro periodo da sus primeros pasos. Evidentemente la dificultad de ver con cierta perspectiva estos cambios por ser actuales a ellos, dificulta nuestra capacidad de discernir entre ambas corrientes. El autor toma como paisaje esa convivencia de ambas realidades. Ver web del artista

Futuro

Serigrafía de tintas UVI y técnica mixta sobre tabla

130 x 95 cm

The Lake

Serigrafía de tintas UVI y técnica mixta sobre tabla

145 x 145 cm

pretérito

Serigrafía de tintas UVI y técnica mixta sobre tabla

130 x 95 cm

En su texto de 1919, Nosotros metafísicos, Martin De Chirico comentaba que no había nada tenebroso en la palabra metafísica, que tenía la misma tranquilidad e insensata belleza que la materia. El autor de la pintura metafísica de principios del siglo XX propuso un lenguaje muy complejo que aglutinaba una proyección del inconsciente onírico y las formas narrativas que irrumpían en su creativo tiempo. Illán Argüello elabora con una técnica impecable una obra que se nutre de las esencias metafísicas adaptadas a un espacio de arquitecturas que tienen un pie en el sueño y otro en la realidad. Para nuestra percepción actual, acostumbrada a construcciones extravagantes y técnicamente extraordinarias, sus arquitecturas no son inverosímiles. El autor ha sabido adaptar la corriente metafísica y las propuestas del movimiento moderno de arquitectura de los maestros como Le Corbusier o Van Der Roes y la visión casi digital de nuestro tiempo. Hogares soñados llenos de color que flotan entre el proyecto y la realidad aumentada. Se han creado lugares globales desprovistos de una identidad cultural concreta que animan más que habitar con el cuerpo, a vivirlos con la mirada. Ver web del artista

Cuatro Galerías

Óleo/tabla

81 x 65 cm

El templo geométrico

Óleo/tabla

81 x 65 cm

pretérito

Óleo/tabla

81 x 65 cm

Además del concepto de sincretismo, otro concepto atraviesa de manera transversal toda la exposición, una cultura de consumidor de arte institucional global. Uno de los fundamentos de la creación de una cultura global es la difusión tanto física como digital de los iconos que se ofrecen en instituciones de poder a lo largo del planeta. Museos, ferias de arte y bienales, además de famosas galerías, tejen un entramado de propuestas que se desplazan por el globo. Muchas de las imágenes que se han asimilado por parte de los artistas del territorio nacional tienen su fuente en estos canales de distribución.

La obra de Pedro Peña Gil ofrece esta fuente de inspiración de manera transparente. El creador incorpora a su lenguaje la fotografía de las obras que marcan las tendencias en sus espacios de culto, los museos e instituciones que las albergan. Su propuesta pasa por retratar las piezas y sus visitantes en solemnes fotografías en blanco y negro y posteriormente las cubre de colores llenos de vida. La intencionalidad del creador puede llevarnos de nuevo a Walter Benjamín, ya que su forma de decolorar y proponer estás mágicas formas superpuestas, nos insinúa una aventura cercana al descubrimiento de un nuevo Aura específico para esas instituciones.

Museum Hall XV(Pink)

Técnica Mixta y Resina Epoxi Pigmentada sobre Madera Lacada

82x82 cm

Museum Hall XV(Purple)

Técnica Mixta y Resina Epoxi Pigmentada sobre Madera Lacada

82x82 cm

Museum Hall IX(Balloons)

Técnica Mixta y Resina Epoxi Pigmentada sobre Madera Lacada

150x150 cm