Pasaje primero

Desde 1927 hasta su lamentable muerte en 1940, el filósofo Walter Benjamin estuvo trabajando en una obra que jamás pudo terminar, aunque la producción recopilada se editó y llamó Los pasajes de Paris.

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Su trabajo se enfocó en analizar la identidad moderna señalando los importantes avances técnicos que se habían incorporado a la vida cotidiana del siglo XIX, comenzando con los propios pasajes de esta ciudad. Se propuso experimentar una forma de generar conocimiento partiendo de fragmentos, citas y detalles para componer una literatura en forma de escaparates. París fue un modelo que introdujo muchos aspectos de la modernidad y serán precisamente estos pasajes los que evolucionaron y se transformaron en los actuales centros comerciales. No cabe lugar a duda, los centros comerciales son espacios significativos que caracterizan nuestra cultura global.

Inspirándose en la propuesta de Walter Benjamin, se han planteado una serie de exposiciones en formato de capítulos o pasajes, que abordan la identidad global analizando algunos de los conceptos que se relacionan con el giro que la sociedad actual está dando. Para cada pasaje/exposición se han seleccionado conceptos vinculados con la identidad global actual y se han escogido creaciones de artistas que tienen, de un modo u otro, relación con esos conceptos. Se han habilitado salas expositivas dentro de locales de centros comerciales para convertir estos centros en un lugar en el que profundizar y reflexionar sobre nuestra esencia cultural. En cada exposición podremos leer un capítulo de una investigación experimental.

La propuesta expositiva #Pasajes se presentó en la ciudad de Sevilla en enero del 2019, en un local del centro comercial Los Arcos. Para la presentación se invitaron una serie de artistas de diferentes disciplinas.


Sincretismos

El primer pasaje o capítulo de la serie de exposiciones #Pasajes, se adentra en el análisis desde la creación artística del concepto de sincretismo como una de las principales características de la identidad global.

La identidad actual, tanto la personal como la colectiva, se está adaptando a nuevos cambios debido a la globalización. El mundo experimenta una conexión sin precedentes gracias a las tecnologías digitales y a los nuevos modelos económicos y movimientos migratorios (Turistas, inmigrantes, refugiados, exiliados, trabajadores invitados… e individuos en movimiento constante). Esta nueva cercanía fractura muchas de las antiguas fronteras, tanto las físicas como de las de la subjetividad cultural. Los cambios de percepción generalizados y la descentralización de las metrópolis tradicionales de influencia en cuanto al arte contemporáneo, generan un giro cultural que produce formas de asimilación y fusión de diferentes elementos, incluso contradictorios entre sí. El sincretismo no es una novedad histórica y ha sido una característica de los flujos culturales ligados a la colonización y a los movimientos migratorios. La diferencia de hoy reside en que la conexión digital y el intercambio generalizado de las redes sociales difunden códigos visuales a escala global mediante mecanismos que no están relacionados con las instituciones tradicionales de poder. Los algoritmos internos, los profesionales del marketing digital, el poder del like, la cultura de la convergencia, las bienales de arte… existen muchos elementos que influyen en la transformación cultural y provocan la creación casi caprichosa de una nueva cultura y producción artística global.

La aportación de esta exhibición para la reflexión del concepto del sincretismo como esencia de la cultura global, es la recopilación de creaciones de artistas del territorio español actual, un ejemplo de la periferia artística, para analizar los flujos de la asimilación y fusión de variados códigos visuales. Cabe destacar que la muestra se realiza en un local dentro de un centro comercial, en este caso el centro comercial Vallsur de Valladolid. El contexto de la muestra, la tipología de centro comercial que se repite en iguales condiciones por todo el planeta, suma al análisis la posibilidad de una lectura por parte del visitante desde una posición de descentralización transfronteriza, esencia de lo global.

La exposición ha sido coordinada por la gerencia del Centro comercial Vallsur y el comisario de la galería variable, antonio labella. Los artistas que participan en la muestra son Oscar Seco, Ana de Alvear, Monserrat Gómez de osuna, Pedro Peña Gil, Illán Argüello, Patricia Mateo y Jorge Hernández, junto la aportación de obras del propio comisario.

ARTISTAS

ÓSCAR
ÓSCAR SECO

Al situarnos delante de uno de los geniales paisajes de brueghel el viejo, podemos observar aparentes escenas de la vida cotidiana de su tiempo. Muchas de esas escenas están cargadas de mensajes que van más allá de una mera descripción, aunque para nuestros ojos de espectadores del siglo XXI muchos mensajes se escapan y hay que hacer un estudio para poder leer los códigos que ya no nos son familiares. El género del paisaje simboliza la mirada del espectador ubicada físicamente en su mundo, el espacio que lo rodea y lo define.

Puede que esta sea una de las características que hace que la obra de Oscar Seco sea tan representativa para entender el eje de esta muestra. A lo largo de su dilatada carrera ha madurado un proceso de asimilación de códigos visuales de diferentes culturas. Su trabajo absorbe y mezcla diferentes códigos como las pinturas y grabados holandeses y flamencos, elementos del cómic norteamericano, los carteles de propaganda de la guerra civil o la estética del pop art. Pero su asimilación no es un capricho creador, es el paisaje de nuestra visión actual. Nuestra educación visual se nutre de imágenes de estas tendencias en museos y espacios especializados en arte, al igual que en las redes sociales. Gracias a diferentes canales de difusión global, estos códigos tienen vigencia y nos resultan familiares y han adquirido una función adaptada a nuestra actualidad global. Ver web del artista

Seres imaginarios I

Seres imaginarios I

Acrílico sobre tela

81 x 100 cm

Seres imaginarios II

Seres imaginarios II

Acrílico sobre tela

81 x 100 cm

Seres imaginarios III

Seres imaginarios III

Acrílico sobre tela

81 x 100 cm

Seres imaginarios IV

Seres imaginarios IV

Acrílico sobre tela

81 x 100 cm

Seres imaginarios V

Seres imaginarios V

Acrílico sobre tela

81 x 100 cm

Seres imaginarios VI

Seres imaginarios VI

Acrílico sobre tela

81 x 100 cm

Caídos del cielo

Caídos del cielo

Serigrafía

70 x 100 cm

Caídos del cielo

Caídos del cielo

Serigrafía

70 x 100 cm

Lo imnombrable

Lo imnombrable

acrílico en tela

120 de diámetro

Ganso a la naranja

Ganso a la naranja

acrílico en tela

100 de diámetro

EDU
EDU COMELLES

A actuado, en solitario o junto a colaboraciones, en festivales como Sónar, Mutek, Eufónic, Fase entre muchos otros; también ha participado en certámenes como el Mobile Week BCN, Escuchar en Buenos Aires o Radar de México DF. Sus actuaciones a menudo suceden en espacios singulares, desde espacios naturales, pasando por lavaderos públicos, iglesias, claustros góticos y un sinfín de espacios atípicos.

Su obra, en directo o en forma de instalaciones o composiciones, se ha podido escuchar en el Reina Sofia de Madrid, LABoral de Gijón, Tabakalera (Donostia), Espai Rambleta, Bombas Gens en Valencia; Etopia (Zaragoza), CAAM (Gran Canaria) o el CCCB, Caixaforum y Arts Santa Mónica en Barcelona, su ciudad natal. Ver web del artista

Réplica

Réplica

Altavoz, marco y composición sonora

25 x 25 cm

NOEMI
NOEMI SJOBERT

Esta artísta multidisciplinar sueca afincada en barcelona ha participado en múltiples exposiciones se define con estas palabras:

Utilizo el medio de video para observar y poner en perspectiva la realidad que me rodea. Busco situaciones que rompan con lo ordinario. El mundo es una gran paradoja que resuena en el ser humano, a su vez, perplejo. Momentos precisos tomados en video, realzan la idea de dualidad y dan testimonio de la contradicción de la existencia. Soy paisajista, me interesan los escenarios sublimes y paro el tiempo. Viajar agudiza mis sentidos, me pone en alerta y me obliga a estar en un profundo estado de observación. 3 ejes son fundamentales para mi trabajo: la condición humana a medida que pasa el tiempo; La percepción alterada de la realidad y la inmersión sensorial que agudiza nuestros sentidos. Ver web del artista

A medida que pasa el tiempo

A medida que pasa el tiempo

copia master (existen 5 copias master)

ALEJANDRO
ALEJANDRO MAROTE

Su obra ha sido expuesta en instituciones como el Museo Oteiza de Pamplona, CentroCentro de Madrid, Museu de Bellas Artes de Castellón, Fundación Arantzazu Gaur de Gipuzkoa, Instituto Francés de Madrid, Galería La Fábrica de Madrid, Arts Santa Mónica de Barcelona, Circulation(s) Festival de París, Bienal de Chongqing de China, PhotoEs y el aclamado festival de fotografía Les Rencontres d'Arles. Ver web del artista

beber, fumar y amar es morir

beber, fumar y amar es morir

ANTONIO
ANTONIO LABELLA

El consumo masivo de imágenes vinculadas con el mundo de la creación artística a través de las pantallas de los dispositivos digitales, genera un ruido de información donde mezclamos las imágenes de manera inconsciente. Ese ruido nos lleva a aceptar y aglutinar muy cerca códigos tan dispares y distantes como el expresionismo o las creaciones del renacimiento. Nuestra forma de consumir arte desde las páginas web de las instituciones o sobre todo en las redes sociales, facilita la hibridación visual. Además de este aspecto, este consumo digital facilita que nazca una nueva relación con la obra de naturaleza digital que está alejada de la obra física. La peculiaridad de este consumo masivo propicia que emanen nuevas obras digitales basadas en la imagen digital con sus propias características. Un comentario muy extendido al salir de la visita a un gran museo es aquello de: ¡que decepción, lo esperaba más grande, más colorido …!

El creador Antonio Labella propone generar imágenes que se ubican en las grietas que surgen por el choque entre los dos periodos de visión, un viejo periodo en el que la visión demandaba una imagen elaborada con una pintura y un acabado determinado y el nuevo periodo en el que la visión se amolda a las nuevas imágenes que suman elementos de naturaleza digital. El movimiento de estas dos masas hace que vivamos un periodo en el que algo va muriendo mientras otro periodo da sus primeros pasos. Evidentemente la dificultad de ver con cierta perspectiva estos cambios por ser actuales a ellos, dificulta nuestra capacidad de discernir entre ambas corrientes. El autor toma como paisaje esa convivencia de ambas realidades. Ver web del artista

Futuro

Futuro

Serigrafía de tintas UVI y técnica mixta sobre tabla

130 x 95 cm

The Lake

The Lake

Serigrafía de tintas UVI y técnica mixta sobre tabla

145 x 145 cm

pretérito

pretérito

Serigrafía de tintas UVI y técnica mixta sobre tabla

130 x 95 cm

Vortex

Vortex

tecnica mixta y serigrafia tintas uvi digital

120 x 138 cm

Node (a)

Node (a)

tecnica mixta y serigrafia tintas uvi digital

160 x 160 cm

ILLAN
ILLAN ARGÜELLO

En su texto de 1919, Nosotros metafísicos, Martin De Chirico comentaba que no había nada tenebroso en la palabra metafísica, que tenía la misma tranquilidad e insensata belleza que la materia. El autor de la pintura metafísica de principios del siglo XX propuso un lenguaje muy complejo que aglutinaba una proyección del inconsciente onírico y las formas narrativas que irrumpían en su creativo tiempo. Illán Argüello elabora con una técnica impecable una obra que se nutre de las esencias metafísicas adaptadas a un espacio de arquitecturas que tienen un pie en el sueño y otro en la realidad. Para nuestra percepción actual, acostumbrada a construcciones extravagantes y técnicamente extraordinarias, sus arquitecturas no son inverosímiles. El autor ha sabido adaptar la corriente metafísica y las propuestas del movimiento moderno de arquitectura de los maestros como Le Corbusier o Van Der Roes y la visión casi digital de nuestro tiempo. Hogares soñados llenos de color que flotan entre el proyecto y la realidad aumentada. Se han creado lugares globales desprovistos de una identidad cultural concreta que animan más que habitar con el cuerpo, a vivirlos con la mirada. Ver web del artista

Cuatro Galerías

Cuatro Galerías

Óleo/tabla

81 x 65 cm

El templo geométrico

El templo geométrico

Óleo/tabla

81 x 65 cm

pretérito

pretérito

Óleo/tabla

81 x 65 cm

Puro Absoluto I

Puro Absoluto I

Óleo/tabla

81 x 65 cm

Puro Absoluto III

Puro Absoluto III

Óleo/tabla

81 x 65 cm

El hueso de los deseos

El hueso de los deseos

Óleo/tabla

81 x 65 cm

Mis ojos marrones

Mis ojos marrones

Óleo/tabla

81 x 65 cm

PEDRO
PEDRO PEÑA

Además del concepto de sincretismo, otro concepto atraviesa de manera transversal toda la exposición, una cultura de consumidor de arte institucional global. Uno de los fundamentos de la creación de una cultura global es la difusión tanto física como digital de los iconos que se ofrecen en instituciones de poder a lo largo del planeta. Museos, ferias de arte y bienales, además de famosas galerías, tejen un entramado de propuestas que se desplazan por el globo. Muchas de las imágenes que se han asimilado por parte de los artistas del territorio nacional tienen su fuente en estos canales de distribución.

La obra de Pedro Peña Gil ofrece esta fuente de inspiración de manera transparente. El creador incorpora a su lenguaje la fotografía de las obras que marcan las tendencias en sus espacios de culto, los museos e instituciones que las albergan. Su propuesta pasa por retratar las piezas y sus visitantes en solemnes fotografías en blanco y negro y posteriormente las cubre de colores llenos de vida. La intencionalidad del creador puede llevarnos de nuevo a Walter Benjamín, ya que su forma de decolorar y proponer estás mágicas formas superpuestas, nos insinúa una aventura cercana al descubrimiento de un nuevo Aura específico para esas instituciones. Ver web del artista

Museum Hall XV(Pink)

Museum Hall XV(Pink)

Técnica Mixta y Resina Epoxi Pigmentada sobre Madera Lacada

82x82 cm

Museum Hall XV(Purple)

Museum Hall XV(Purple)

Técnica Mixta y Resina Epoxi Pigmentada sobre Madera Lacada

82x82 cm

Museum Hall IX(Balloons)

Museum Hall IX(Balloons)

Técnica Mixta y Resina Epoxi Pigmentada sobre Madera Lacada

150x150 cm

The Forest(green)

The Forest(green)

Tecnica Mixta, Serigrafia con Tintas Uvi, resina epoxi pigmentada y
laca sobre maderal

150x150 cm

Museum Hall (Yellow)

Museum Hall (Yellow)

Técnica Mixta y Resina Epoxi Pigmentada sobre Madera Lacada

150x150 cm

LUIS
LUIS PÉREZ

Un pintor e ilustrador cuyo trabajo bebe directamente del circo, del cine, de la música popular urbana, de rebuscar en El Rastro, de las verbenas y los viejos tebeos. Criado entre los populares barrios madrileños de Lavapiés y Embajadores, su imaginario responde a la cultura más castiza y popular de lo español de los ’60 a los ’80, eminentemente. Así, en sus obras, se codean los Beach Boys con Superman, Batman o los personajes de Ibáñez; platos de comida clásicos con fragmentos de revistas antiguas y envoltorios de chicles Bazooka o publicidad de los jabones Lagarto.

Ver web del artista

Sin título

Sin título

GABRIEL
GABRIEL CABEZA

Ver web del artista

Caminos de contingencia D

Caminos de contingencia D

Técnica mixta sobre printfoam

150 x 150 cm

Caminos de contingencia A

Caminos de contingencia A

Técnica mixta sobre papel

50 x 70 cm

Caminos de contingencia B

Caminos de contingencia B

Técnica mixta sobre papel

50 x 70 cm

Caminos de contingencia C

Caminos de contingencia C

Técnica Mixta y Resina Epoxi Pigmentada sobre Madera Lacada

150 x 150 cm

Azul A+B

Azul A+B

Técnica mixta sobre papel

50 x 70 cm

PABLO
PABLO FERNANDEZ

Ver web del artista

Bichos

Bichos

Acuarela sobre papel

100 circunferencia

Bichos

Bichos

Acuarela sobre papel

100 circunferencia

Metamorfarse III

Metamorfarse III

Acuarela sobre papel

200x150 cm

SINCLAIR
SINCLAIR CASTRO

Máster en Investigación en arte y creación por la Universidad Complutense de Madrid; Licenciado en ciencias de la comunicación por el ITESO. Apasionado de las relaciones conceptuales se encuentra en un continuo desarrollo en diversas formas de expresión; pintura, gráfica, fotografía, producción documental, diseño sonoro, musical, medios digitales y video arte. Desde hace 15 años se ha presentado en festivales de arte audiovisual galerías y museos nacionales e internacionales, es parte de SLZR , una banda de rock electrónico y colabora en diferentes proyectos sonoros. Actualmente imparte clases de estética digital, sonido para multiplataformas y cultura visual en el ITESM Campus Guadalajara. Ver web del artista

Identidad

Identidad

video

32´´

JUAN
JUAN QUIÑONES

Tras haber experimentado con varios estilos y técnicas de escultura en piedra, ha traspasado la técnica preciosista florentina, extendida en el renacimiento, llamada “piedra dura”, a la obra que hoy nos acontece. Técnica que consiste en incrustaciones de piedras semipreciosas en mármol. Inmerso en esta metodología reinterpreta el trabajo de la piedra de una forma contemporánea. Helados, hamburguesas, cupcakes resurgen de la piedra para transmitir esa ironía que el artista rememora de su infancia. Ver web del artista

Lemonice

Lemonice

LV

LV

Skate

Skate

longboar

longboar

Al situarnos delante de uno de los geniales paisajes de brueghel el viejo, podemos observar aparentes escenas de la vida cotidiana de su tiempo. Muchas de esas escenas están cargadas de mensajes que van más allá de una mera descripción, aunque para nuestros ojos de espectadores del siglo XXI muchos mensajes se escapan y hay que hacer un estudio para poder leer los códigos que ya no nos son familiares. El género del paisaje simboliza la mirada del espectador ubicada físicamente en su mundo, el espacio que lo rodea y lo define.

Puede que esta sea una de las características que hace que la obra de Oscar Seco sea tan representativa para entender el eje de esta muestra. A lo largo de su dilatada carrera ha madurado un proceso de asimilación de códigos visuales de diferentes culturas. Su trabajo absorbe y mezcla diferentes códigos como las pinturas y grabados holandeses y flamencos, elementos del cómic norteamericano, los carteles de propaganda de la guerra civil o la estética del pop art. Pero su asimilación no es un capricho creador, es el paisaje de nuestra visión actual. Nuestra educación visual se nutre de imágenes de estas tendencias en museos y espacios especializados en arte, al igual que en las redes sociales. Gracias a diferentes canales de difusión global, estos códigos tienen vigencia y nos resultan familiares y han adquirido una función adaptada a nuestra actualidad global. Ver web del artista

Lo imnombrable

acrílico en tela

120 de diámetro

Ganso a la naranja

acrílico en tela

100 de diámetro

A actuado, en solitario o junto a colaboraciones, en festivales como Sónar, Mutek, Eufónic, Fase entre muchos otros; también ha participado en certámenes como el Mobile Week BCN, Escuchar en Buenos Aires o Radar de México DF. Sus actuaciones a menudo suceden en espacios singulares, desde espacios naturales, pasando por lavaderos públicos, iglesias, claustros góticos y un sinfín de espacios atípicos.

Su obra, en directo o en forma de instalaciones o composiciones, se ha podido escuchar en el Reina Sofia de Madrid, LABoral de Gijón, Tabakalera (Donostia), Espai Rambleta, Bombas Gens en Valencia; Etopia (Zaragoza), CAAM (Gran Canaria) o el CCCB, Caixaforum y Arts Santa Mónica en Barcelona, su ciudad natal.

Réplica

Altavoz, marco y composición sonora

25 x 25 cm

Esta artísta multidisciplinar sueca afincada en barcelona ha participado en múltiples exposiciones se define con estas palabras:

Utilizo el medio de video para observar y poner en perspectiva la realidad que me rodea. Busco situaciones que rompan con lo ordinario. El mundo es una gran paradoja que resuena en el ser humano, a su vez, perplejo. Momentos precisos tomados en video, realzan la idea de dualidad y dan testimonio de la contradicción de la existencia. Soy paisajista, me interesan los escenarios sublimes y paro el tiempo. Viajar agudiza mis sentidos, me pone en alerta y me obliga a estar en un profundo estado de observación. 3 ejes son fundamentales para mi trabajo: la condición humana a medida que pasa el tiempo; La percepción alterada de la realidad y la inmersión sensorial que agudiza nuestros sentidos.

A medida que pasa el tiempo

copia master (existen 5 copias master)

Su obra ha sido expuesta en instituciones como el Museo Oteiza de Pamplona, CentroCentro de Madrid, Museu de Bellas Artes de Castellón, Fundación Arantzazu Gaur de Gipuzkoa, Instituto Francés de Madrid, Galería La Fábrica de Madrid, Arts Santa Mónica de Barcelona, Circulation(s) Festival de París, Bienal de Chongqing de China, PhotoEs y el aclamado festival de fotografía Les Rencontres d'Arles.

beber, fumar y amar es morir

El consumo masivo de imágenes vinculadas con el mundo de la creación artística a través de las pantallas de los dispositivos digitales, genera un ruido de información donde mezclamos las imágenes de manera inconsciente. Ese ruido nos lleva a aceptar y aglutinar muy cerca códigos tan dispares y distantes como el expresionismo o las creaciones del renacimiento. Nuestra forma de consumir arte desde las páginas web de las instituciones o sobre todo en las redes sociales, facilita la hibridación visual. Además de este aspecto, este consumo digital facilita que nazca una nueva relación con la obra de naturaleza digital que está alejada de la obra física. La peculiaridad de este consumo masivo propicia que emanen nuevas obras digitales basadas en la imagen digital con sus propias características. Un comentario muy extendido al salir de la visita a un gran museo es aquello de: ¡que decepción, lo esperaba más grande, más colorido …!

El creador Antonio Labella propone generar imágenes que se ubican en las grietas que surgen por el choque entre los dos periodos de visión, un viejo periodo en el que la visión demandaba una imagen elaborada con una pintura y un acabado determinado y el nuevo periodo en el que la visión se amolda a las nuevas imágenes que suman elementos de naturaleza digital. El movimiento de estas dos masas hace que vivamos un periodo en el que algo va muriendo mientras otro periodo da sus primeros pasos. Evidentemente la dificultad de ver con cierta perspectiva estos cambios por ser actuales a ellos, dificulta nuestra capacidad de discernir entre ambas corrientes. El autor toma como paisaje esa convivencia de ambas realidades. Ver web del artista

Vortex

tecnica mixta y serigrafia tintas uvi digital

120 x 138 cm

Node (a)

tecnica mixta y serigrafia tintas uvi digital

160 x 160 cm

En su texto de 1919, Nosotros metafísicos, Martin De Chirico comentaba que no había nada tenebroso en la palabra metafísica, que tenía la misma tranquilidad e insensata belleza que la materia. El autor de la pintura metafísica de principios del siglo XX propuso un lenguaje muy complejo que aglutinaba una proyección del inconsciente onírico y las formas narrativas que irrumpían en su creativo tiempo. Illán Argüello elabora con una técnica impecable una obra que se nutre de las esencias metafísicas adaptadas a un espacio de arquitecturas que tienen un pie en el sueño y otro en la realidad. Para nuestra percepción actual, acostumbrada a construcciones extravagantes y técnicamente extraordinarias, sus arquitecturas no son inverosímiles. El autor ha sabido adaptar la corriente metafísica y las propuestas del movimiento moderno de arquitectura de los maestros como Le Corbusier o Van Der Roes y la visión casi digital de nuestro tiempo. Hogares soñados llenos de color que flotan entre el proyecto y la realidad aumentada. Se han creado lugares globales desprovistos de una identidad cultural concreta que animan más que habitar con el cuerpo, a vivirlos con la mirada. Ver web del artista

Puro Absoluto I

Óleo/tabla

81 x 65 cm

Puro Absoluto III

Óleo/tabla

81 x 65 cm

El hueso de los deseos

Óleo/tabla

81 x 65 cm

Mis ojos marrones

Óleo/tabla

81 x 65 cm

Además del concepto de sincretismo, otro concepto atraviesa de manera transversal toda la exposición, una cultura de consumidor de arte institucional global. Uno de los fundamentos de la creación de una cultura global es la difusión tanto física como digital de los iconos que se ofrecen en instituciones de poder a lo largo del planeta. Museos, ferias de arte y bienales, además de famosas galerías, tejen un entramado de propuestas que se desplazan por el globo. Muchas de las imágenes que se han asimilado por parte de los artistas del territorio nacional tienen su fuente en estos canales de distribución.

La obra de Pedro Peña Gil ofrece esta fuente de inspiración de manera transparente. El creador incorpora a su lenguaje la fotografía de las obras que marcan las tendencias en sus espacios de culto, los museos e instituciones que las albergan. Su propuesta pasa por retratar las piezas y sus visitantes en solemnes fotografías en blanco y negro y posteriormente las cubre de colores llenos de vida. La intencionalidad del creador puede llevarnos de nuevo a Walter Benjamín, ya que su forma de decolorar y proponer estás mágicas formas superpuestas, nos insinúa una aventura cercana al descubrimiento de un nuevo Aura específico para esas instituciones.

Museum Hall XV(Pink)

Técnica Mixta y Resina Epoxi Pigmentada sobre Madera Lacada

82x82 cm

The Forest(green)

Tecnica Mixta, Serigrafia con Tintas Uvi, resina epoxi pigmentada y
laca sobre maderal

150x150 cm

Museum Hall (Yellow)

Técnica Mixta y Resina Epoxi Pigmentada sobre Madera Lacada

150x150 cm

Un pintor e ilustrador cuyo trabajo bebe directamente del circo, del cine, de la música popular urbana, de rebuscar en El Rastro, de las verbenas y los viejos tebeos. Criado entre los populares barrios madrileños de Lavapiés y Embajadores, su imaginario responde a la cultura más castiza y popular de lo español de los ’60 a los ’80, eminentemente. Así, en sus obras, se codean los Beach Boys con Superman, Batman o los personajes de Ibáñez; platos de comida clásicos con fragmentos de revistas antiguas y envoltorios de chicles Bazooka o publicidad de los jabones Lagarto.

Sin título

Caminos de contingencia D

Técnica mixta sobre printfoam

150 x 150 cm

Caminos de contingencia A

Técnica mixta sobre papel

50 x 70 cm

Caminos de contingencia B

Técnica mixta sobre papel

50 x 70 cm

Caminos de contingencia C

Técnica Mixta y Resina Epoxi Pigmentada sobre Madera Lacada

150 x 150 cm

Azul A+B

Técnica mixta sobre papel

50 x 70 cm

Bichos

Acuarela sobre papel

100 circunferencia

Bichos

Acuarela sobre papel

100 circunferencia

Metamorfarse III

Acuarela sobre papel

200x150 cm

Máster en Investigación en arte y creación por la Universidad Complutense de Madrid; Licenciado en ciencias de la comunicación por el ITESO. Apasionado de las relaciones conceptuales se encuentra en un continuo desarrollo en diversas formas de expresión; pintura, gráfica, fotografía, producción documental, diseño sonoro, musical, medios digitales y video arte. Desde hace 15 años se ha presentado en festivales de arte audiovisual galerías y museos nacionales e internacionales, es parte de SLZR , una banda de rock electrónico y colabora en diferentes proyectos sonoros. Actualmente imparte clases de estética digital, sonido para multiplataformas y cultura visual en el ITESM Campus Guadalajara.

Identidad

video

32´´

Tras haber experimentado con varios estilos y técnicas de escultura en piedra, ha traspasado la técnica preciosista florentina, extendida en el renacimiento, llamada “piedra dura”, a la obra que hoy nos acontece. Técnica que consiste en incrustaciones de piedras semipreciosas en mármol. Inmerso en esta metodología reinterpreta el trabajo de la piedra de una forma contemporánea. Helados, hamburguesas, cupcakes resurgen de la piedra para transmitir esa ironía que el artista rememora de su infancia.

Lemonice

LV

Skate

longboar